人们都说设计师需要风格，我想，这只是说设计师在设计时气质、喜好、技法、审美、品位的流露。事物都是辩证的，所谓风格会严重阻碍设计师的创造性，风格应该在设计师以后再谈。
我认为设计师之所以产生风格，只是因为它的设计符合了设计师行销的对象——客体（企业、产品）的气质、灵魂、理想。
在这个层面，客体、企业、产品所应该有的属性、行业特征决定着设计的风格。拿标志、VI举例,不同产业风格是不同的。比如中国南方电网，原来电力是一家的，后来电力分家，发电、输电、售电分开，这就需要有自己的形象。南方电网是网的概念，同时也有输电的功能，但要与发电公司、能源公司相区别。所以我设计了用“电”字去掉两竖作为标志的主体图形。这就说明内容、形体的需要决定了风格。 还有我们在服务客户的时候，一定要企业的决策者填答标志调查问卷，因为他们最了解本行业的特点。其实设计师有时只是将他们的看法、想法用设计的手法表现出来，不存在无中生有的设计， 准确表达你设计的客体，客体所需的气质表现产生风格。这种表现，不应该是设计师个人的风格，应该是客体本身的风格。绘画也是这样。陈丹青所画的西藏组画，准确的表现了他理解的西藏。调子和大家理解的一样，引起了共鸣。前一段我看美术馆的油画展，多数作品在表现上都黯淡无光，只有陈丹青的西藏组画，从调子、笔触、色彩等都具有较强的厚重感。那才是西藏给人的感受。“浓郁”两字不知准确否，那是画家强化了他表现的对象，那是客观对象的气质。 对于产品来说，产品内容同质感越来越强，他们的差异性就是识别性，就是风格。所谓毕加索的风格就是不断否定自己，使自己不要形成风格。所以，在某种意义上说，风格即是客体气质的自然流露，设计师只是找到了、发现了，但这决不能够说这是设计师自己的风。如果设计师过早的形成了风格，思维便形成了定式，难以创新。影响设计的因素很多，比如你以人为本进行设计，不同人需求不同，你的设计是否适合与制造者、营销者、管理者、使用者、维修者，这些存在的原因、背景、条件、结构、定位都限定了你所表现、描述的风格。再深一步，材料、制造工艺也会存在以外的形态。 纯艺术，比如绘画，大多数是个性的存在。而设计的存在则是一种共性的存在。
风格往往是由形式与结构生成的。决定形式的主要因素是它的构成因素，是它的构成方式，而不取决于它的构成元素。如元素有限，而方式无限。比如构成中的点、线、面、色，音乐中的1、2、3、4、5、6、7，方式无限。风格也是一种符号，适合于设计客体的符号，使人们产生一种期待感。小孩子渴望见到麦当劳的标志、环境；国外的华侨希望看到自己国家的国旗。风格就是相似性。 比例也很重要。
尺寸不等于空间，巨大的和伟大的不是一个概念。过去的比例往往是按人身的比例为基础的，到天坛去你就会感受到比例的力量。现代设计也要讲究比例，比如说国家大剧院，它位于人民大会堂西侧，它既要考虑到天安门广场周围很干，缺少水面，又要考虑到高度问题，不能太高，超过人民大会堂或天安门，要压下去。所以建筑利用半地下，利用水面和绿化。关于这个建筑有两个层面的意思：一个是水面和高度的问题，一个是整个广场的比例问题。另外，我们是做一个仿古建筑还是一个有时代感的建筑，不是一个假古董。设计的内容与形式 标识设计的内容与形式 任何事物都有一定的内容和形式。作为概念，内容与形式首先是一个有着广泛涵义的哲学概念，它既可应用于艺术现象，又可应用于生活领域中所存在的各种事物。为了分析研究，人们一般把艺术作品所描写的客观的现实生活和艺术家对这些生活的认识、评价作为艺术作品的内容；题材和主题作为构成艺术作品的基本因素；把用来表现作品内容的组织结构和表现手段的综合作为艺术作品的形式，结构和艺术语言成为艺术作品的形式要素。
英国学者阿诺理德曾将艺术中的形式做了不同层面的区分，其中最基本的含义是：1、指作品所“体现”的内容或精神相对立的“形体”，在视觉艺术中就包括色彩和形状，与他们所表现的意义相对立。如果形式意味着与内容相对立的形体，如果说艺术的形式揭示了它的内容，那就等于说在审美体现中，形体真的能表达出它的内容。2、形式可以意味着与感觉相对而言的“形体”的外形方面。例如形状之于色彩；旋律之于节奏、速度；结构之于它所赖以构成的空间价值。在造型艺术中一般地说形式意味着与材料或媒介物相对称的“形状”。3、形式也可能意味着较之某一特定艺术作品这样或那样的特定形式或更加普遍的某种艺术类型，它可能意味着某一类形式的类别。
设计中要把握自由的尺度 造物是一种自由：造物（包括设计的过程）是人对自然材料的一种改造和利用，也是一种创造性的设计和物的生产，在人对于物（材料、自然物）的关系中，造物者（设计者、劳动者）是主体的、主动的，即造物者与自然物的关系，是一种能动的关系，在这种关系中，造物者是自由的，支配性的。黑格尔在《精神现象学》中曾专设一节论述主奴关系，他说：“主要通过努力间接地与物发生关系。如果作为一般的自我意识也对物发生否定的关系，并且能够扬弃物。……主人把奴隶放在物与他自己之间，这样一来，它就只能把自己与物的非独立性相结合，而予以尽情接受，但是它把对物的独立性一面让给努力，让奴隶对物予以加工改造。”人在广义造物中的自由，是人对自然物进行改造的自由。在艺术质造物中，在狭义的层面上，还有另一种自由：艺术形式和艺术表现的自由，这种自由往往是在确立功能结构基础上对多种形式的选择和创建的自由。设计中，要把握自由的尺度。在自由设计的同时，需要考虑到人的自然尺度、设计的功能尺度、设计的审美尺度以及设计的伦理尺度。自由是有限制的自由，只有在这些限制之上，才能更好的用自由的手法去创作。没有尺度的自由是虚无的，是没用的。
标志、二级图形与绘画的九点对比有什么
绘画有形象、节奏、透视、体积、层次、空间、光影、表现、美感，标志与二级图形同样也有这几点，但在运用、作用上又与绘画存在着差别。 一是形象，平面化的东西必须做一个最有表现力的角度，如手、鸟翅膀展开才能表现力度。 二是在体积的表现上，标志与二级图形以平面的手法来表现面积的对比：面积越大，“量”感体现得越强。三结构，要抓住结构的主要特征，去掉次要的。比如叶子对生还是互生，背在脑子里。民间艺术家不注重写生，利用传承再加上自己的感觉，就能进行比较大的发挥。通过写生往往会比较依赖写生对象，离开对象就难以进行创作。而这脱离了艺术的本质：自己的发挥而并不完全是写生 。 四透视，标志与二级图形不受透视限制，与中国绘画有点像，多点透视、散点透视与中国哲学有关，融入天地世界去。写生的时候是游历山川，扫尽奇峰打草稿，回来一蹴而就，有时候反对近大远小的规则去创作。而西方则是从“人”的观点看，从一点出发，与世界脱离。五空间，标志与二级图形创作时要强调正负空间，利用负形与正 。 六层次，利用平面、大小、黑白、叠压、繁琐与简洁、个性与普通、完整与破碎等层次关系去表现，去创作。这与西方绘画简单利用透视、黑白、虚实不同，具有自己独特的风格。 七是光影，标志与二级图形也有黑白，但不是客观的角度，而是用黑白表现。概括为点线面，用点线面做基本语言，然后做对比、和谐的处理，最后表现光影。这就好像版画比立体的绘画更鲜明， 八表现，标志与二级图形的创作与每个设计师的个性有着紧密的联系。设计师在生活中抓住对象特点，然后把视觉感受夸大到很高的程度，进行最大可能的夸张变形， 这样就使作品带有很强的表现性。由于平面特点的局限，标志与二级图形没有体积，所以只能用形态本身的东西来表现。但如果只有简单的轮廓，可看的东西就太少了，因此必须用夸张强烈的成分吸引人。九是美感，标志与二级图形中也需要有美感。美感具有它的基本规律：比如比例的关系，节奏和韵律，条理和反复，对比和谐，均衡对称，运动稳定，变化统一，所有形式美表现的东西，都可以称作为美感。运用这些基本规律，标志与二级图形就会变得生动。 标志评判的标准比较复杂：情绪、理性、直觉、推理、本能、理智、自发、强迫、幻想与想象、科学证据、满足和不满足、慷慨和算计、感性和理性、精神和物质、手工的和机械的、艺术的和科技的、自然的和人工的、整合和区分、张扬和诗意、不分的和分割的、主观的客观的、宗教的世俗的、神圣的功利的、伦理的和相对道德的、抽象与具象、简洁与繁琐、质朴与华丽、严谨与活泼、古典与时尚，以上的在表现上都要对立统一。
整合的目标聚焦。
市场的基础——产品功能，客户群，人文，经济力、资讯、市场空间。
概念定位——产品品牌、兼容并需的特殊性、行业特征。
创意开发——公众共识度、视觉化转换。 形象设计——元素的选择与处理、整体鲜明度与典型度、传递性与创造性。 CI是整合、形象、传播、品牌、营销、整合经营。看懂人，读事，和企业家打交道。倾听，以道举术、以术取道、主三克七，你就是导演，你要给客户洗脑。字体、色彩、点线面都是你的演员为什么有些地方戏被淘汰了，因为样志有它的永久性，不能像地方戏那样。标志设计要有格调，格调就是傲慢与偏见。我们服务一部分客户。不是哪一家企业都可以买到我们给它设计的标志。
整个设计就是一个“意”一个“形”。形——意——形，因——果——因。 主动接受西方文明，西学为用，实用理性，道德理性。 写文有七戒，同样在设计上也要有七戒。旨戒杂，气戒破、局戒乱、语戒习（习惯思维）、字戒辟、是非戒事实、详略戒事宜，最重要的是杂了就迷惑了。多则惑、惑则迷、迷则乱、乱则空，适得其反。 知不知，尚矣。不知不知，病已。智就是每天知道一点。明就是知阳知阴。 标志的门槛很低，无法区分一个本科生和博士生的想象。 现代艺术强调的自动绘画，直觉素描，直觉绘画，无意识状态的东西。将下意识出现的东西进一步进行理性思考，进行临界结合，释放状态。对于复杂性的研究，混沌与秩序的交叉边缘。艺术是一个混沌的东西，完全有秩序的东西就没有意思。
